Ernest Chausson (1855-1899) - Poème, op.25
Chausson oli prantsuse helilooja, kelle paljutõotav karjäär lühenes tema varase surmaga 44-aastaselt. Pärast õigusteaduse õpingute lõpetamist läks ta Masseneti ja Francki juures Pariisi konservatooriumi kompositsiooni õppima. Kuni oma surmani töötas ta Société Nationale de Musique'is - organisatsioonis, mis propageerib prantsuse muusikat.
Tema kompositsiooni väljund oli väike, kuid märkimisväärne. Üks silma paistavaid teoseid on Poème viiulile ja orkestrile. See ühe liigutusega teos ilmus Belgia viiuldaja Eugène Ysaÿe palvel 1896. aastal. See põhineb vene romaanikirjaniku Ivan Turgenevi laulul Armastuse võidukäik ( Le Chant de l'amour triomphant ), mis räägib loo kahest noorest mehest, kes armusid samasse naisesse.
Teos algab pimedas ja kohmakas meeleolus ning viiul astub sisse intiimse kadenzalaadse avaldusega. Muusika muutub peagi kirglikumaks ja viiuliosa muutub lüüriliste meloodiate ja virtuoossete lõikude emotsionaalseks väljapanekuks. Viiuldaja Vincent P. Skowronski andis selle teose esitamiseks viiuldajatele järgmised nõuanded:
„Poème on pikk, keeruline ja sensuaalselt kaasahaarav mängukogemus, seega peate säästma nii palju energiat kui võimalik. Kuid kulutage nii palju energiat, kui teie kaleidoskoopiline palett suudab hakkama saada, sest harva saate võimaluse vabakäiguks nii suure hulga viiuliliku hiilgusega. ”
Vadim Repin mängib Chaussoni Poème'i
Ralph Vaughan Williams (1872-1958) - tõusulaine
Lark tõusev (1881) on George Meridithi luuletus, mis jutustab loo taevalaulu laulvast kilpkonnast. See inspireeris Vaughan Williamsit 1914. aastal samanimelise muusikateose koostamiseks viiulile ja klaverile ning hiljem 1920. aastal viiulile ja orkestrile. See teos oli pühendatud Briti viiuldajale Marie Hallile, kes esietendus mõlemad versioonid. Pärast seda on see muutunud populaarseks palaks, eriti Suurbritannias, kus seda regulaarselt esitatakse.
Helilooja tsiteeris luuletuse read oma partituuri lendlehes. Muusika on väga meeldejääv ja näitas impressionismi jooni. Pentatooniliste skaalade, režiimide ja vabalt liikuvate rütmide kasutamine loob õhkkonna, mis on tihedalt seotud Inglise maastikuga. Koosseisus Esimese maailmasõja ajal oli muusika rahulikkus toonase olukorraga vastuolus. Sellest teosest oli saanud ingliskeelse stiili esitus ajal, mil riik üritas kehtestada rahvuslikku identiteeti.
Janine Jansen mängib Vaughan Williamsi näidendit "Tõusev tõus"
Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Danse Macabre, op.40
Danse Macabre, tuntud ka kui Surmatants, oli algselt Henri Cazalise teksti põhjal hääle ja klaveri kunstilaul. 1874. aastal muutis Saint-Saëns selle orkestri jaoks tooniliseks luuletuseks, millel oli silmapaistev viiuliosa, mida tavaliselt mängis kontsertmeister.
Muusika algab kaheteistkümne korduva noodi saatel, mis annab märku, et kell on löönud südaöö. Seejärel astub sooloviiul koos tritooniga - muusikas tuntakse seda sageli kui kuradit - avatud keelpillidega, milles E-keel on häälestatud E-tasapinnale ( scordatura ). Seejärel viidi mõistatuslikud tantsuteemad üha suurema intensiivsuse ja energiaga erinevatesse instrumendilõikudesse. Teose keskel võib kuulda Dies Irae tsitaati - matust, mida tavaliselt kuulatakse matuse ajal. Lõpu poole muutub teos järsku oboe motiiviga, mis sarnaneb kukeharjale ja millele järgneb rahulik meloodia põhivõtmes, mida mängib sooloviiul, mis viitab sellele, et koidik on murdumas.
Saint-Saëns - Danse Macabre, op 40
Leonard Bernstein (1918-1990) - serenaad pärast Platoni sümpoosionit
Bernsteini serenaad pärast Platoni sümpoosionit oli 1954. aastal loodud viiulile, keelpillidele, harfile ja löökpillidele. Seda võib pidada viiuli viie liigutusega kontsertiks. Sümpoosion on Platoni filosoofiline tekst, mis kujutas väljapaistvat dialoogi grupi silmapaistvate meeste poolt armastuse teemal. Bernstein nimetas oma muusika iga osa sümpoosioni esinejaks.
Koussevitzky fond tellis selle teose ja Bernstein dirigeeris esiettekannet 1954. aastal, solistina Isaac Stern. Pidevalt muutuva meetri ja ettearvamatu rütmilise mustri tõttu on see uskumatult keeruline nii viiuldajale kui ka orkestrile. Bernsteini täpsust võib näha kogu partituuri jooksul, mida peetakse üheks tema parimaks kontserdisaali teoseks.
Bernstein kirjutas oma serenaadi kohta järgmise kommentaari:
I. Phaedrus-Pausanias (Lento-Allegro): Phaedrus avab sümpoosioni lüürilise oraadiga armastusejumala Erosi kiitmisel. (Fugato, alguse saanud sooloviiul.) Pausanias kirjeldab armukese ja armastatud kahesust. See väljendub klassikalises sonaat-allegodes, mis põhineb avafugato materjalil.
II. Aristophanes (Allegretto): Aristophanes ei mängi selles dialoogis klouni rolli, vaid hoopis magamamineku jutuvestja rolli, kutsudes esile muinasjutu armastuse mütoloogiat.
III. Erixymachus (Presto): Arst räägib kehalisest harmooniast kui armastusmustrite toimimise teaduslikust mudelist. See on äärmiselt lühike fugato scherzo, mis on sündinud salapära ja huumori segust.
IV. Agathon (Adagio): Võib-olla dialoogi kõige liikuvam kõne, Agathoni panegyric hõlmab kõiki armastuse võimete, võlude ja funktsioonide aspekte. See liikumine on lihtne kolmeosaline laul.
V. Sokrates - Alcibiades (Molto tenuto - Allegro molto vivace): Sokrates kirjeldab oma visiiti nägija Diotima poole, tsiteerides tema kõnet armastuse demonoloogiast. See on aeglasem suurema raskuse sissetoomine kui ükski eelnevatest liigutustest ja toimib agatoni liikumise keskmise lõigu väljaarendatud ettekandena, osutades sellega varjatud sonaadivormi. Alcibiadesi ja tema purjuspäi paljastatud ansambli kuulus katkestus Allegro-desse sissetoojatest - see on pikendatud rondo, mis ulatub vaimus alates segadusest kuni džigmaalse tantsumuusikani kuni rõõmsa pidupäevani. Kui pidustustel on jazzi vihje, siis loodetavasti ei võeta seda kui anakronistlikku kreeka peomuusikat, vaid pigem tänapäevase ameerika helilooja loomulikku väljendust, mis on ümbritsetud selle ajatu õhtusöögi vaimuga.
"Kunstiteosed teevad reegleid; reeglid ei tee kunstiteoseid." - Claude Debussy
